Der Galerist Jean-Gabriel Mitterrand über die französischen Künstler Claude und Francois-Xavier Lalanne

In Paris ansässig Galerie Mitterand vertritt seit mehr als drei Jahrzehnten Claude und François-Xavier Lalanne, berühmt für ihre surrealen Skulpturen, die Kunst und Design verbinden. Ich spreche mit Galeriegründer Jean-Gabriel Mitterrand über die Karrieren eines der 20th Jahrhundert produktivsten Künstlerpaare.

Was denken Sie über den Kunstmarkt von Claude und François-Xavier Lalanne und wie er sich in den letzten Jahren entwickelt hat? Wann haben Sie begonnen, eine Nachfrage nach ihren Werken zu sehen, und was treibt ihren wachsenden Markt an?

Ich denke, dass der Markt dem ersten Eindruck folgt, den ich hatte und den viele Leute schon in den 1960er und 70er Jahren vor mir hatten, weil die Lalannes die letzte große Kunstsäule waren. Sie hatten bereits sehr wichtige Privatsammler, die besten Sammler aus ganz Europa, wie die Familie Agnelli und die Familie Rothschild, und einige in New York, wie de Ménil. Sie hatten auch bedeutende Innenarchitekten wie Jacques Grange und François Catroux und später Peter Marino. Ihr Ruf wuchs langsam, aber in den besten Sammlungen waren sie berühmt. Auch Yves Saint Laurent und Pierre Bergé waren schon sehr früh Sammler, und nach der Auktion Saint Laurent – Bergé änderte sich das. Dafür gibt es einen guten Grund, denn ich denke, sie waren die wichtigsten Künstler und Bildhauer nach Giacometti, und sie waren die besten, weil sie eine einzigartige Position im Konzept der Gebrauchsskulpturen einnahmen – das war eine Revolution in der Bildhauerei. Es wurde als Design verstanden, war aber tatsächlich eine skulpturale, konzeptionelle Revolution. Claude kam zurück zur Galvanik, zur Bildhauerei direkt aus der Natur dank der Elektrolyse und dem Formensystem. Sie formte Objekte und Körper. Sie und François-Xavier hatten beide wirklich sehr exzentrische und sehr außergewöhnliche Arten, Skulpturen zu machen. François-Xavier war bereits mit seinen Wollschafen und dann mit seinen Steinschafen berühmt. Und Claude wurde mit ihrem Kohl „Choupatte“ und „L’Homme à la Tête de Chou“ sehr schnell berühmt. So waren sie bereits Ende der 60er Jahre, obwohl es vertraulicher war, bereits bekannt.

Warum wurden die Lalannes von den Kritikern zunächst nicht akzeptiert?

Ich denke, dass die Revolution, die François-Xavier und Claude auslösten, darin bestand, der Skulptur eine Funktion zu geben. Das war eine Art Verbrechen gegen den Begriff der Skulptur; es war völlig gegen die Schule der Bildhauerei. Der Bildhauer war ein wichtiger Mann oder eine wichtige Frau mit einem Konzept, mit Respekt. Die Lalannes waren sehr einfach. Sie verwendeten einfache Modelle: Tiere, Pflanzen und Blumen für Claude und Tiere wie eine Ente, einen Esel oder ein Nilpferd für François-Xavier. Sie waren bedeutende Bildhauer und sehr kreativ, aber auf bescheidene Weise. Und gleichzeitig haben sie dieses Verbrechen gegen die Skulptur begangen. Sie bauten den Gebrauch in jede ihrer Arbeiten ein, das Schaf diente also als Sitzgelegenheit, und Claude fertigte Spiegel, Kandelaber, Stühle und Tische an. Diese Art von Arbeit brachte ihnen den Namen „Designer“ ein, aber eigentlich haben sie nie wirklich für diese Funktion kreiert. Sie fügten der Skulptur eine Funktion hinzu, aber wenn Sie eine Arbeit von Lalanne verwenden, müssen Sie die Skulptur zuerst respektieren, da sie nicht so einfach zu verwenden ist. Sie müssen Ihre eigene Art, eine Gabel, einen Schreibtisch oder einen Sitz zu verwenden, verändern. Es ist nicht funktionsfähig; Es ist einfach eine poetische, elegante Art, mit einer Skulptur zu leben.

Gab es ein bestimmtes Kunstwerk, mit dem sie ihren ersten Durchbruch erlebten?

Ja, am Anfang wurde das Wollschaf von allen sehr gut angenommen, sogar vom Museum of Modern Art in Paris. Das Centre Pompidou kaufte Ende der 70er Jahre eine Schafherde und sie befindet sich immer noch in seiner Sammlung.

Warum hat das Paar selten an Stücken zusammengearbeitet?

François-Xavier arbeitete auf sehr traditionelle Weise, beginnend mit einer Zeichnung, dann einer kleinen Skulptur aus Gips, dann einer Form und der Arbeit am Abguss im Atelier. Er war talentiert genug, um ein Maximum an Details zu eliminieren, um zu einem reinen Ausdruck und einer reinen Linie des Tieres zu gelangen, also war er ein Purist in der Tradition von Nicolas Poussin, Ingres und Matisse, die seine Meister waren. Claude arbeitete auf andere Weise in einem anderen Studio. Sie hatte eine große Unordnung von Pflanzen und Blumen in Bronze oder Kupfer, und wenn sie jeden Morgen ins Atelier kam, beschloss sie, etwas Neues zu machen. Sie mischte alles, zerstörte und versuchte es erneut. Sie war barocker, arbeitete mit Intuition und mit außergewöhnlicher Eleganz und Geschmack. Zwei unterschiedliche Arbeitsweisen, aber gleichzeitig standen sich die beiden sehr nahe, respektierten einander, liebten die Arbeit des anderen, hatten eine außergewöhnliche Komplizenschaft und konnten einander auch kritisch gegenüberstehen. Selten arbeiteten sie zusammen. Die „Centaure“, „Minotaure“ und vier Dinosaurierbrunnen in Santa Monica wurden von beiden hergestellt. Das sind die einzigen mir bekannten Beispiele.

Was waren die wichtigsten Galerie- und Museumsausstellungen der Lalannes?

Ihre wichtigste Galerie war zunächst Alexander Iolas, den ich oft getroffen habe. Er war ein Ex-Tänzer, überaus amüsant, in seiner Jugend überaus gutaussehend, voller Temperament und überaus kraftvoll, denn er hatte Jean de Ménil und Dominique de Ménil aus New York als seine besten Kunden. Dominique war eine Schlumberger-Tochter und kaufte von Iolas eine Menge Brauner, Max Ernst und Magritte, ich glaube mehr als 500 Meisterwerke, und auch Ed Ruscha und Warhol. Gleichzeitig hatte er die jungen Künstler Lalanne, Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely und Martial Raysse in seiner Galerie. Ich denke, er war der wichtigste, er hat die Lalannes durch seine großartigen Kunden wie Agnelli, de Ménil, Gunter Sachs und die berühmte Pauline Karpidas, die zwischen London und New York lebt, mit einer riesigen Sammlung und vielen in Auftrag gegebenen Lalannes wirklich ins Leben gerufen. Ich habe fast 20 Jahre nach Iolas’ Tod allein mit den Lalannes gearbeitet. Wir begannen 1988 zusammenzuarbeiten, dann schlossen sich Ben Brown mit seiner Galerie in London und New York und auch Paul Kasmin in New York uns an, also arbeiteten wir zu dritt sehr einfach zusammen, um die besten Ausstellungen für die Lalannes aufzubauen. Ich habe Anfang 1994 eine Ausstellung im Chateau de Chenonceau gemacht, dann habe ich 1998 die berühmte Bagatelle-Gartenausstellung in der Nähe von Paris gemacht, die ein großer Erfolg war. Paul Kasmin hat eine Ausstellung in der Park Avenue und eine Ausstellung im Botanischen Garten in Miami gemacht, die sehr interessant waren. Die Lalannes hatten Anfang der 70er Jahre wichtige Ausstellungen, die vom Nationalmuseum für moderne Kunst in Paris kurz vor dem Centre Pompidou und in Museen in Edinburgh und London organisiert wurden, und dann verschwanden sie aus den Museen, mit Ausnahme des Museums für dekorative Kunst in Paris, das ihnen 2011 eine riesige Ausstellung bot, die außergewöhnlich war. Es war eine wunderschöne Szenografie von Peter Marino. Auch Jacques Grange und François Catroux begründeten den Ruf der Lalannes. Peter Marino begann in den 80er Jahren, die Lalannes zu lieben und zu sammeln, und er stellte sie in die amerikanischen Sammlungen. Dann habe ich 2021 ihre Ausstellung im Chateau de Versailles, im Queen’s Hamlet und im Petit Trianon organisiert. Die vier Töchter der Lalannes haben Werke aus ihren eigenen Sammlungen ausgeliehen, damit wir eine Ausstellung veranstalten konnten, die die wichtigste Freiluftausstellung aller Zeiten war die Lalannes mit mehr als 60 Werken.

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