„Es ist so fröhlich und verheißungsvoll“: Eine Modernismus-Ausstellung zielt auf Hoffnung | Modernismus

EINObwohl der Beginn des 20. Jahrhunderts eine Zeit des Krieges, der Pandemie und des sozialen Umbruchs war, brachte es auch ein unbestreitbares Gefühl der Hoffnung und Chance mit sich, das für die damals blühende moderne Kunst von zentraler Bedeutung war. Visionäre neue Ästhetiken wurden auf die Welt losgelassen, und Künstler glaubten wirklich an das revolutionäre Potenzial ihrer Arbeit. Es ist diese konkurrenzlose Möglichkeit, Offenheit und dieser Optimismus, die die neue Ausstellung modernistischer Kunst im Whitney Museum, At the Dawn of a New Age, für Museumsbesucher zu kanalisieren versucht.

„Es gibt dieses Gefühl der Überschwänglichkeit, das sich in der Arbeit bemerkbar macht“, sagte die Gelehrte und langjährige Whitney-Kuratorin Barbara Haskell, die diese Ausstellung organisierte. „Es schien angebracht, diese Arbeit in einer Zeit zu präsentieren, in der wir uns mit der Dystopie der Gegenwart auseinandersetzen. Ich hoffe, der Öffentlichkeit die Bandbreite an Qualität und Stilen vorstellen zu können, die unzähligen Möglichkeiten, wie Amerikaner das, was in Europa geschah, in eine amerikanische Umgangssprache übersetzten.“

Getreu den Zielen von Haskell ist die Show ein Aufruhr von Farben, Stimmungen und Stilen, die ein Gefühl für die berauschende Experimentierfreude vermitteln, mit der Künstler eine unverwechselbare amerikanische Moderne herausarbeiteten. Von neoklassischer Fantasie bis hin zu sinnlichen Abstraktionen, strahlenden Landschaften, transzendentalen Visionen, kubistischen Straßenszenen und sogar einem Vintage-Set des weltweit vorherrschenden Tarot-Decks präsentiert At the Dawn of a New Age eine schwindelerregende Bandbreite an Kunst. Diese Fülle wird etwas gezähmt, indem sie sorgfältig in drei Galerien angeordnet ist, die den Besuchern die Möglichkeit bieten, sich selbst zu bewegen und Verbindungen zwischen den Stücken in einem bestimmten Raum herauszukitzeln.

Georgia O’Keeffe, Musik, Rosa und Blau Nr. 2, 1918. Foto: Robert Gerhardt und Denis Y. Suspitsyn/Whitney Museum of American Art

Haskell wollte mit ihrer Schau einen provokativen Kontrapunkt zur derzeit laufenden Whitney Biennale setzen. Daher durchkämmte sie die Archive des Museums, um nicht nur modernistische Fahnenträger wie Georgia O’Keefe und Aaron Douglas zu feiern, sondern auch Künstler – oft Frauen und/oder Farbige – zu präsentieren, die weitgehend aus der modernistischen Bewegung ausgelöscht wurden. Fast die Hälfte der Arbeiten in At the Dawn of a New Age lagern seit 30 bis 50 Jahren im Whitney, und viele der ausgestellten Stücke sind Neuanschaffungen, die dazu gedacht sind, Lücken in den Sammlungen von Whitney zu schließen, die Haskell beim Zusammensetzen identifiziert hat zusammen ihre Ausstellung. „Die Geschichte dieser Zeit wird in der Regel durch eine Handvoll Künstler erzählt, während die Realität so viele Künstler auf einem so hohen Niveau arbeitete“, sagte Haskell. „Das hat uns diese Überschwänglichkeit verwehrt, den Sinn für Möglichkeiten in der Arbeit. Diese Werke zurückzubringen, vermittelt wirklich diese Stimmung der Zeit.“

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Zu den weniger gefeierten Künstlern, die in „At the Dawn of a New Age“ ihren Teil verdienten, gehören Marguerite Zorach, Blanche Lazzell, Yun Gee, Isami Doi und Henrietta Shore. Sie kamen aus der ganzen Welt und aus den Vereinigten Staaten und wurden von der Kunst, die sie mit einem Gefühl von Neuheit und Versprechen ansprach, in die modernistischen Zentren New York und Paris gezogen. Sie haben ihre kreativen Impulse in diese Bewegung gelenkt und Arbeiten geschaffen, die sofort erkennbar modernistisch sind, aber dennoch ihren Ursprüngen und den marginalisierten sozialen Räumen, in denen sie lebten, treu bleiben.

Zorachs Beitrag zur Ausstellung, eine auf Seide gemalte Landschaft mit dem schlichten Titel „Landschaft mit Figuren“, erinnert an Seurats „Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte“ wegen des Gefühls der Zusammenkunft und der Freude, die beide vermitteln. Aber Zorachs Arbeit steht für sich allein als seltsames und überzeugendes Werk: In den gebeugten, sich beugenden Haltungen der Badenden liegt eine klassische Neo-Griechik, und der zentrale Baum des Stücks – bestehend aus einem strahlend roten Stamm und lindgrünen Blättern – trägt dazu bei das jenseitige Gefühl des Gemäldes. Während die Arbeit langsam Ihr Bewusstsein durchdringt, fühlt es sich an, als ob diese mysteriösen Gestalten Geheimnisse des Vergnügens und der Entspannung kennen, die nur wenige jemals durchdringen werden.

Henrietta Shore, Spur des Lebens, c.  1923.
Henrietta Shore, Spur des Lebens, c. 1923. Foto: Denis Y. Suspitsyn/Whitney Museum of American Art

Im Gegensatz zu Zorachs schwerfälliger Landschaft ist Yun Gees Straßenszene in einem schwindelerregenden Winkel komponiert, was dem Stück ein aus dem Gleichgewicht geratenes Gefühl verleiht. Das Werk besteht aus großen Stücken von Gelb-, Blau-, Rot- und Brauntönen, ist dem Kubismus verpflichtet und vermittelt ein Gefühl der Widerspenstigkeit des modernen Lebens, das an John Dos Passos erinnert. Die Einsamkeit und sogar Verzweiflung, die von jeder der wimmelnden menschlichen Figuren in Street Scene getragen wird, fühlt sich zielgerichtet an, was vielleicht aus dem Rassismus resultiert, den Gee als chinesischer Einwanderer erlebte, der in San Francisco lebte und schuf.

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Von Badegästen und Stadtansichten gelangt man zu Henrietta Shores monumentaler Blume mit dem Titel Trail of Life. In Anlehnung an die Arbeit von Georgia O’Keefe, mit der sie ausstellte (manchmal die bevorzugte der beiden), zeigt es eine vereinfachte, abstrahierte Blumenbiegung mit sinnlichen Formen. Die Arbeit gehört zu Haskells Favoriten in der Show. „Es ist fast dieser knospende Anfang einer Blume. Shore hat mehrere Farbschichten aufgetragen, sodass die Farbe einfach leuchtet. Ich liebe es, wie Künstler dieser Zeit mit universellen Ideen über die Verbundenheit zwischen Mensch und Natur umgehen, und Trail kodifiziert diese Vorstellung von der Natur als eine Art Behälter – wenn nicht etwas Spirituelles, dann zumindest die Vermittlung von Innerlichkeit.“

Oscar Bluemner, Alter Kanalhafen, 1914
Oscar Bluemner, Alter Kanalhafen, 1914. Foto: Robert Gerhardt und Denis Y. Suspitsyn/Whitney Museum of American Art

Diese Innerlichkeit und Verbundenheit wird in den beiden eindringlichen Holzschnitten von Isami Doi, einem Kind japanischer Einwanderer, das auf Hawaii aufwuchs, bevor es sich in Paris und New York der Kunst widmete, deutlich. Durch sorgfältiges Zusammenfügen verschiedener Texturen und Formen finden die Holzschnitte ein Ganzes, das gleichzeitig feierlich und gelassen ist, aber auch vor der Energie der Naturwelt strotzt. Sein Mondlicht zeigt uns die Rücken zweier am Arm verbundener Gestalten, die einen nächtlichen Spaziergang durch Laub und auf Häuser in der Ferne unternehmen. In der Art und Weise, wie sich die Figuren und ihre Umgebung ineinander biegen, ist die Verbindung zwischen Mensch und Natur stark. Dois The Stream zeigt eine Frau, die mit niedergeschlagenen Augen nachdenklich vor einem Zaun steht, hinter dem ein Bach fließt. Man sehnt sich danach zu wissen, was der Gedankenstrom dieser Frau genau ausmacht.

In einer Zeit, in der sich die Welt oft so schwer anfühlt und viele noch abwägen, ob sie sich wieder voll und ganz auf das Leben einlassen sollen, bietet At the Dawn of a New Age eine eindrucksvolle Erinnerung daran, warum wir in Scharen in Museen strömen. Diese Hitparade amerikanischer Dynamik und Vielfalt ist eine willkommene Einladung, Bildschirme hinter sich zu lassen und sich in der Gegenwart von etwas Transformierendem zu sonnen. „Mein sehr unschuldiges Ziel wäre, dass ich hoffe, dass die Leute zur Show kommen und sich in die Arbeit verlieben“, sagte Haskell. „Es ist so fröhlich und so vielversprechend. Wenn ich die Galerien betrete, habe ich dieses Gefühl der Hochstimmung.“

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