John Adams hat für eine Zeit komponiert, in der Minimalisten fast so interessant sind wie Mozart

Die Air Force One, das Flugzeug, in dem der amerikanische Präsident anwesend ist, rollt langsam am Flughafen. Der „Große Steuermann“ des kommunistischen Chinas, Mao Zedong, erwartet ihn in seinem Arbeitszimmer.

Es könnte ein Auszug aus einer historischen Filmwochenschau sein, aber wenn es auf der Bühne passiert, beginnt gleich „Nixon in China“ – die Oper von John Adams. Einst begann er mit der Arbeit an seinem ersten Theaterstück, angetrieben von der Neugier, wie Mythen entstehen. Er hat selbst eines geschaffen.

Fahren Sie ins Leben

Die Uraufführung von Nixon in China im Jahr 1987 rückte Adams in den Mittelpunkt der Aufmerksamkeit als Autor, der ein attraktives Thema auswählen und emotional davon brennen kann. Mit der Librettistin Alicia Goodman und dem Regisseur Peter Sellers, die die Entstehung der Oper initiierten, legte der Komponist einen der Grundsteine ​​seines Schaffens. Inmitten des andauernden Kalten Krieges bot er dem Publikum eine opernhafte Pseudodokumentation über das Aufeinandertreffen diametral entgegengesetzter Regime und Kulturen.

Vielleicht erinnerte er sich an Giacomo Puccini und seine Madam Butterfly, die etwa achtzig Jahre zuvor einen amerikanischen Marineoffizier und ein japanisches Mädchen auf die Bühne brachten. Puccini umgab die Helden jedoch mit romantischer Begeisterung, die über die Grenzen emotionaler Erpressung hinausging.

Adams‘ opernhafte Politiker, darunter der damalige US-Außenminister Henry Kissinger, führen Monologe, die zu absurden gegenseitigen Missverständnissen führen. Beide Werke verbindet nicht nur das Vergehen von Welten, sondern auch die Fähigkeit der Autoren, ins Lebendige einzudringen und das Publikum an den sensibelsten Stellen zu treffen.

Die Oper über das Treffen des Antikommunisten Nixon mit dem roten Diktator Mao Ze-tung schien den vergangenen zehn Jahren von Adams’ Schaffen ein spektakuläres Siegel zu verleihen. So viel Zeit ist seit der Fertigstellung der Klavierkomposition Phrygian Gates vergangen, die er im Nachhinein als sein Opus Nummer eins betrachtet.

Die Komposition spielt geschickt mit einer der alten Kirchenskalen und auch mit minimalistischen, sich ständig wiederholenden und leicht variierten Formeln. Gleichzeitig nimmt er sie nicht mehr so ​​konsequent auf und fügt ihnen auf subtile Weise fast schon Songwriter-Melodie hinzu.

Das Manöver zwischen Tradition, Kenntnis historischer Abläufe und dem Wunsch nach Individualität und dem eigenen Weg nach vorn wird in der Vokalsymphonie Harmonium noch deutlicher. In diesem Werk von 1981 donnert das große Orchester nicht, sondern fließt sanft von einer fragilen Farbe zur anderen, als würde der Ritter Lohengrin aus Richard Wagners Oper von irgendwoher die Komposition überwachen. Viele Trommeln und ineinander verschlungene Rhythmen erinnern an das indonesische Gamelan-Instrument, in das der Chor mit Gedichten von John Donne und Emily Dickinson einsteigt.

In Grand Pianiola Music, einer ein Jahr jüngeren Komposition, beschäftigen sich zwei Klaviere mit Fryderyk Chopin, Sergei Rachmaninow und Ragtime im amerikanischen Stil, als würde alles von einem mechanischen Klavier gespielt. Drei Sängerinnen kommentieren ihre Bemühungen mit einem Ruf, der an verführerische Sirenen und sehnsuchtsvolles Jammern grenzt. Das Orchester lässt bereits die berühmte Harmonielehre ahnen, in der John Adams Mitte der 1980er Jahre sein eigenes Verhältnis zur Tonalität und zu ihrem Zerstörer, dem Komponisten Arnold Schönberg, verdeutlicht.

„Warum sollte ich mich den neuen Errungenschaften der Popmusik widersetzen und in Zwölfton- oder Serientechnik schreiben, nur weil es erforderlich ist?“ fragte sich der Amerikaner damals. Es scheint, als suchte er damals nicht im rein klassischen Bereich nach Gleichgesinnten, sondern eher bei den neu formierten Rock-Experimentatoren King Crimson oder der Songwriterin/Performerin Laurie Anderson.

Teil des Personal Brandings

„Es ist mir sehr wichtig, ob meine Musik die Menschen erreicht“, sagte der Autor, der oft als Amerikas aktuelle Nummer eins bezeichnet wird, kürzlich in einem Interview.

Natürlich ist John Adams nicht der Einzige, der diese Position beanspruchen könnte. Aber egal, ob wir die unverwechselbare musikalische Sprache oder den Erfolg beim Publikum berücksichtigen, er würde sich in der engeren Auswahl wiederfinden. Er gehört zu denen, die sich ohnehin vor Paparazzi und Autogrammjägern in Acht nehmen müssen, aber er hat seine Seele nicht an den Teufel des billigen Geschmacks verkauft. Vielmehr kreiert er schon so lange, dass die irritierenden und irritierenden Aspekte seiner Musik langsam in Vergessenheit geraten. Sie wurden Teil seines Stils und seiner persönlichen Marke.

Der heute 76-jährige John Adams ist etwa zehn Jahre jünger als seine noch lebenden minimalistischen Kollegen. Die Begründer des Stils Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley und La Monte Young sind alle über achtzig: Es scheint, als sei die Musik der minimalen Veränderungen auch ein Rezept für ein langes kreatives Leben.

Adams ist immer noch alt genug, um vor vielen Jahren auf der Welle des Neuen geritten zu sein. Gleichzeitig war er jung genug, um die von seinen direkten Vorgängern erfundenen und erprobten Verfahren bereits in die Praxis umsetzen zu können.

Bereits in den frühen 1970er-Jahren knüpfte er Kontakte zu Progressive-Rockern, zu denen ihn nicht nur sein Gespür für Rhythmus, sondern auch die sich scheinbar endlos entwickelnden musikalischen Oberflächen und Klangmagie hinzogen. Sein Kammermusikstück „American Standard“ greift auf heimische Traditionen zurück, zu denen Blaskapellen, methodistische Predigten und Jazz von Duke Ellington gehören. Zugleich aber überführt er sie in eine Welt, die die erhabensten und die gewöhnlichsten Inspirationen als gleichwertig ansieht.

„Nichts Neues unter der Sonne“, könnte heute selbst der glühendste Anhänger reiner Klassiker sagen, der beispielsweise gerade von einer Aufführung von Gustav Mahlers Vierter Symphonie zurückkehrt, in der großer Orchesterzauber mit einer naiven volkstümlichen Beschreibung des Himmlischen kollidiert Wonne. Seine musikalische Reife erlangte Adams jedoch an der Wende der 60er und 70er Jahre des letzten Jahrhunderts, als selbst Mahler noch nicht zu den endgültig etablierten Autoren zählte. In der Welt der klassischen Musik vergeht die Zeit unglaublich langsam.

Umso schneller und omnivorer waren die Progressive-Rocker, die in der scheinbar unvereinbaren Welt der großen Konzertsäle, Opernhäuser und leger gekleideten Zuschauer Fuß zu fassen begannen. Adams‘ American Standard, aufgenommen 1973 bei einem Konzert im San Francisco Museum of Modern Art, wurde zwei Jahre später auf seinem Label Obscure Records vom Komponisten, Produzenten und Vater der Ambient-Musik Brian Eno veröffentlicht.

So befand sich der angehende Schöpfer sehr bald in einer bestimmten Gemeinschaft von Menschen, für die nicht Genres, sondern Musik als solche wichtig sind. Gleichzeitig sind diese Menschen stark an seiner Tätigkeit im öffentlichen Raum sowie seinen sozialen Funktionen interessiert. Sie betrachten es als einen untrennbaren Teil der Welt, der seine politischen und sozialen Bewegungen widerspiegelt.

Eine kurze Fahrt in einer schnellen Maschine

Vielleicht resultierte daraus Adams’ Beschäftigung mit Tradition, Klang und aktuellen Themen. Unter den sogenannten Minimalisten ist es vielleicht am meisten auf den Einsatz eines großen Symphonieorchesters ausgerichtet. Als hätte er nicht einmal die kompletten Anfänge hinter sich, als er elektronische Kompositionen auf einem selbstgebauten modularen Synthesizer komponierte, den er „Studebaker“ nannte. Contemporary Adams ist in erster Linie Komponist von Opern zu aktuellen Themen und energiegeladenen Orchesterstücken mit fesselndem Rhythmus und farbenfrohem Puls für ein breites Publikum.

Mit dem gleichen Autorenteam wie Nixon in China schuf er 1991 auch eine weitere Oper „Der Tod des Klinghoffer“. Die tragische Geschichte eines amerikanisch-jüdischen Rollstuhlfahrers, der auf dem Schiff Achille Lauro von palästinensischen Terroristen ermordet wurde, brachte dem Komponisten neben Erfolg auch Vorwürfe des Antisemitismus ein.

Weitere Opern widmete John Adams dem Erdbeben in Los Angeles, der Entwicklung der ersten Atombombe oder dem Goldrausch in Kalifornien. Er gedachte der zweitausend Jahre seit der Geburt Jesu Christi mit einem szenischen Oratorium „El Niño“, seinem Tod im Evangelium nach einer anderen Maria. In seiner letzten Oper, an der der Regisseur Sellars wie bei allen vorherigen mitwirkte, arbeitete der Komponist an Shakespeares Tragödie Antonius und Kleopatra.

Sein Gespür für fast rockige Direktheit und unverwechselbaren Rhythmus kam schon lange in der Komposition „Lollapalooza“ zum Einsatz, die der Dirigent Sir Simon Rattle von Adams zu seinem Vierzigjährigen geschenkt bekam. Wer die Musik von Adams noch nicht kennt, lernt sie laut Autor am besten mit der vierminütigen Komposition Short Ride in a Fast Machine kennen. Eine kurze Fahrt in einer schnellen Maschine ist ein typischer Konzertauftakt. In kürzester Zeit erregt er Aufmerksamkeit und erklärt ohne Worte, worum es im weiteren Verlauf des Abends gehen wird.

Bei Adams‘ erstem Auftritt in Prag am 23. Mai im Rudolfinum wird das Lied I Still Dance diese Funktion übernehmen – wenn auch etwas länger, aber immer noch unter zehn Minuten. Laut der Zeitschrift San Francisco Classical Voice hat der Autor einen achtminütigen musikalischen Strudel geschaffen, in dem er zu seinen minimalistischen Anfängen zurückkehrt, gleichzeitig aber bereits den reichen Orchesterklang neuerer Hauptwerke nutzt.

Die Richtung von Adams’ Karriere und die Veränderungen in den Umständen, unter denen er tätig ist, lassen sich weitgehend aus der kurzen Charakterisierung ableiten. Seit der Entstehung seines ersten Werks „Phrygische Tore“ ist bereits fast ein halbes Jahrhundert vergangen. Vorbei sind auch die Zeiten, in denen der Minimalismus ein klassisches Publikum mit einer Reihe von Aspekten provozierte, die durch die Ästhetik wechselnder Emotionen und starker musikalischer Kontraste hervorgerufen wurden. Adams fügte sich in eine Zeit ein, in der Musik mit minimalem Wandel zu einer sicheren und allgemein akzeptierten Gewissheit wurde.

Die bewährten Minimalisten locken heute die meisten Zuhörer mit einem ähnlichen Selbstbewusstsein wie Wolfgang Amadeus Mozart. Schließlich hatte Adams dank der Oper „A Flowering Tree“ eine mentale Verbindung zu ihm. In dem musikalischen Märchen mit indischem Thema muss sich ein junges Paar mehreren rituellen Prüfungen stellen, um endlich die höchste Kraft der Liebe zu begreifen. Die Ähnlichkeit zur „Zauberflöte“ aus dem Wiener Klassiker wird dadurch verstärkt, dass „Der blühende Baum“ anlässlich des 250. Geburtstags von Mozart entstand.

John Adams kommt als anerkannter Komponist und Dirigent zum Prager Frühling, der es sich leisten kann, seine neuesten Kompositionen auf das Programm zu setzen, ohne Misstrauen oder Desinteresse zu riskieren. Das Orchesterstück „I Still Dance“ wurde erst vor vier Jahren uraufgeführt, gefolgt von einem Klavierkonzert mit dem Titel „Must the Devil Have All the Good Tunes?“ er ist nur ein Jahr älter.

2019 führte die Pianistin Yuja Wang das Werk, dessen Titel sich auf eine Aussage des Geistlichen Martin Luther bezieht, mit dem Los Angeles Philharmonic und seinem Chefdirigenten Gustav Dudamel zur Uraufführung. Damals feierte das Orchester sein 100-jähriges Bestehen mit spektakulären Aufträgen und wandte sich auch an den tschechischen Komponisten Miroslav Srnka.

Adams steuerte eine Komposition bei, die eine sofortige Aufnahme in den Konzertkanon zu beanspruchen schien. Darauf zielte neben der herausragenden Interpretation auch die sofortige Veröffentlichung der Aufnahme beim Label Deutsche Grammophon ab. Die gewaltigen Akkorde in einem minimalistischen Karussell, die Adams‘ drittes Klavierkonzert eröffnen, werden in Prag vom 39-jährigen isländischen Pianisten Víkingur Ólafsson gespielt.

Zusätzlich zu seinen beiden Werken nahm der Komponist und Dirigent Adams auch die Komposition Tumblebird Contrails seiner Schülerin Gabriella Smith auf. Der einunddreißigjährige Amerikaner bestreitet nicht den Einfluss des Lehrers, sondern auch die aktuelle Verspieltheit und Verbindung von Musik mit Klimaaktivismus. Ihre Inspiration durch die Geräusche der Natur, insbesondere der Vögel, ist leicht erkennbar und lädt das Publikum auf äußerst freudige Weise zum Mitmachen ein. Die Schlusssinfonie in drei Sätzen von Igor Strawinsky schließt das Konzert mit einem Rückblick auf die Wurzeln der Musik des 20. Jahrhunderts ab.