Klassische Musik, Privilegien und Geister der Französischen Revolution

Das Wort Privileg ist ein Blitzableiter in der Kultur der Vereinigten Staaten. Für einige indiziert es systemische Ungleichheiten, die durch Rasse, ethnische Zugehörigkeit, Klasse, Geschlecht und Sexualität geprägt sind, während es für andere ein „erwachtes“ Vokabular darstellt, das verwendet wird, um politische Korrektheit durchzusetzen. Es überrascht vielleicht nicht, dass Privilegienvorwürfe die Welt der klassischen Musik erreicht haben. In den letzten Jahren haben Musikwissenschaftler und Kritiker Orchestervorsingverfahren, Musikschullehrpläne und Konzertrepertoire als nur wenige Orte identifiziert, an denen Privilegien hinter der unpolitischen Fassade der hohen Kunst lauern. Kritiker weisen darauf hin, wie diese scheinbar objektiven Standards und Praktiken den Zugang zu einem Beruf einschränken, der bereits in eine elitäre Aura gehüllt ist. Ihre Kritik übte Druck auf zwei Säulen der klassischen Musik aus: „große“ Komponisten und ihre musikalischen „Meisterwerke“.

Als Historiker der Klassik (ca. 1770–1820), der an einer großen Musikhochschule in den USA unterrichtet, ist mir klar, dass viele Studenten gar nicht erst in mein Klassenzimmer kommen, weil sie weder den Vorteil noch den Wunsch hatten, eine klassische Ausbildung fortzusetzen Musik als Kinder. Die Zulassung zu Elite-Musikschulen erfordert normalerweise die Beherrschung eines engen musikalischen Kanons, der von einer noch engeren Reihe westeuropäischer und amerikanischer Werte gebildet wird. Aber sind tatsächlich Beethovens Sinfonien oder Mozarts Opern an dieser privilegierten Situation schuld? In meinem Buch, Vom Diener zum Gelehrten, Zu Lebzeiten dieser Komponisten wandte ich mich einem ungewöhnlichen Ort zu – den Barrikaden der Französischen Revolution –, um eine verborgene Geschichte der Privilegien in der modernen professionellen Musikerschaft aufzudecken.

„Zulassungen an Elite-Musikschulen erfordern in der Regel die Beherrschung eines engen musikalischen Kanons, der von einer noch engeren Reihe westeuropäischer und amerikanischer Werte gebildet wird.“

Anders als heute waren die musikalischen Privilegien im vorrevolutionären Frankreich explizit. Bevor die Revolution von 1789 begann, forderten gesetzliche Erlaubnisse Privilegien gewährte französischen Untertanen das Recht, sich an bestimmten Aktivitäten zu beteiligen, normalerweise unter Ausschluss anderer. Privilegien befreien den Klerus und den Adel von Steuern, schützten die Produktionsrechte für Zünfte, beschränkten den Handel auf bestimmte geografische Orte innerhalb der Städte und reservierten Jagdrechte für Adlige. Sie regulierten auch die Musikproduktion, von öffentlichen Auftritten über die Veröffentlichung von Partituren bis hin zum Instrumentenbau und darüber hinaus. In einer kleinen Stadt in Südfrankreich besaß eine adlige Frau das Recht zu diktieren, wann auf der Straße Geige gespielt werden durfte! Wenn man also in der großartigen Kultur von Marie Antoinettes Paris von „Privilegien“ sprach, sprach man von handfesten sozialen und rechtlichen Vorteilen, die entweder aufgrund der Familienabstammung bei der Geburt vorhanden waren oder den Untertanen vom König und den französischen Höfen verliehen wurden. Damals wie heute beschwerten sich Musiker über die unfaire Exklusivität des Systems.

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Nur wenige Wochen nach dem Fall des Bastille-Gefängnisses am 14. Juli 1789 geschah das Undenkbare: Die französische Revolutionsregierung stimmte für die Abschaffung von Privilegien und beendete damit das rechtliche, soziale und wirtschaftliche System, das die französische Gesellschaft fast ein Jahrtausend lang strukturiert hatte. An die Stelle dieses Systems trat das Eigentumsrecht. (Die komplexen Details dieses Übergangs finden Sie in Rafe Blaufarbs Buch von 2016, Die große Abgrenzung.) Die im August 1789 verfasste Erklärung der Menschen- und Bürgerrechte verankerte das Eigentum als Fundament der Menschenrechte. Infolgedessen wandelte sich die Musik in Frankreich von einer genehmigungspflichtigen Tätigkeit zu einem Objekt, das besessen werden konnte.

Dieses neue System schuf in zweierlei Hinsicht eine materielle Grundlage für bleibende Werte der klassischen Musik. Erstens, als Musik als eine Form des Privateigentums geschützt wurde, priorisierte das Gesetz Komponisten (die „Großen“) und Musikpartituren (die „Meisterwerke“) vor anderen Arten von Musikern und Musizierern. Diese rechtliche Struktur verstärkte oder erzeugte in manchen Fällen sogar die Prioritäten, die im Laufe des 19. Jahrhunderts die Erzählungen der Musikgeschichte dominieren solltenth und 20th Jahrhunderte. Zweitens, als Musik legal als öffentliches Gut angesehen wurde, erhielten Musiker staatliche Mittel, um neben anderen nationalen Bildungseinrichtungen wie Gesundheits- und Ingenieurschulen eine Musikschule zu eröffnen. 1795 öffnete das Pariser Konservatorium als erste moderne Einrichtung seiner Art seine Pforten. Vor der Revolution war die musikalische Ausbildung Sache einzelner Musiklehrer oder Schulen, die katholischen Kathedralen angegliedert waren. Noch nie hatte es in der Musik ein breit angelegtes Akkreditierungssystem wie für Berufe wie Medizin oder Jura gegeben. Das Konservatorium hat das geändert.

Es waren vor allem Komponisten, die die neue Musikschule leiteten, darunter François-Joseph Gossec, Étienne-Nicolas Méhul und Jean-François Le Sueur. Sie beaufsichtigten die Veröffentlichung von Methodenbüchern, die die offiziellen Leistungsstandards des Konservatoriums für jedes unterrichtete Instrument umrissen, von Klavier und Violine bis hin zu Fagott und Horn. Nach revolutionären Militärkampagnen schickte der Direktor des Konservatoriums, Bernard Sarrette, seine Vertreter in Bibliotheken in ganz Europa, um Noten für französische Studenten zu sammeln, die sie in der neuen Bibliothek der Institution studieren konnten. Diese Sammlungen, zusammen mit der Musik, die in den neuen Methodenbüchern des Konservatoriums exzerpiert ist, tragen bleibende Namen der Musikgeschichte – Palestrina, Bach, Haydn und Mozart – die die Institution als Vorbilder musikalischer Leistung hochhielt. Während die Mitglieder des Konservatoriums das für Aufführung und Studium erforderliche Repertoire festlegten, wurden gleichzeitig sehr spezifische Lehrplanprioritäten festgelegt. Darüber hinaus wurden die Zulassungsstandards des Konservatoriums für Musiker, die nicht bereits irgendwie sozial begünstigt waren, unerschwinglich.

„Durch die Anerkennung musikalischer Privilegien können Pädagogen und Administratoren wachsam bleiben, wie Macht durch Musikinstitutionen funktioniert, und, was noch wichtiger ist, wie Einzelpersonen ihren Fluss umlenken können.“

Um 1800, als die Revolution verblasste, erhoben Musiker, die nicht in die Eliteschule aufgenommen werden konnten, einen alarmierenden Vorwurf gegen das Konservatorium: Privilegien. Der Geiger Louis Antoine Durieu behauptete, die Fakultät des Konservatoriums habe sein elementares Musiklehrbuch zunächst abgelehnt und dann plagiiert. Er war verärgert über die Kraft, die diese kleine Gruppe von Musikern ausstrahlte. „Das Konservatorium wagt es, das anzunehmen Privileg über die Talente und das Schicksal derer zu entscheiden, die sie besitzen“, beklagte er sich. Obwohl die Revolution gesetzliche Privilegien abschaffte, setzte sich bald eine modernere Art von Privilegien durch, die nicht auf expliziten Gesetzen, sondern auf verdeckten sozioökonomischen Vorteilen beruhten.

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Durieus Frust scheint in den Hallen der heutigen Institutionen für klassische Musik zu widerhallen. Wie der Musikwissenschaftler Loren Kajikawa gezeigt hat, priorisieren viele Musikschulen immer noch westliche Formen des musikalischen Wissens und Musizierens. Doktoranden zitieren weiterhin die Methoden des Konservatoriums als maßgebliche Ursprünge der Instrumentengenealogie. Doch in den letzten Jahren erfordern neue Bachelor-Abschlüsse keine vorherige musikalische Ausbildung, Musikkurse stellen zugängliche Technologien in den Mittelpunkt der Kreativität, Pädagogik betont musikalische Analysen über das Notenlesen hinaus, und ein reiches und vielfältiges Repertoire des 21. Jahrhunderts hat begonnen, die Hörsäle zu füllen einst waren nur Mozart und Beethoven zu hören. Neue Systeme bringen jedoch zwangsläufig ihre eigenen neuen Herausforderungen mit sich. Indem sie die Fortdauer musikalischer Privilegien anerkennen, können Pädagogen und Administratoren wachsam bleiben, wie Macht durch Musikinstitutionen funktioniert und, was noch wichtiger ist, wie Einzelpersonen ihren Fluss umlenken können.

Ausgewähltes Bild: „Erklärung der Menschen- und Bürgerrechte“ 1793, via Wikimedia Commonsgemeinfrei

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