Meg Stuart: "Der Rhythmus ist bei uns entscheidender"

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Samstag,
28
Dezember
2019

00:55

Die Hauptfigur des zeitgenössischen Tanzes, der amerikanische Tänzer und Choreograf, erschien allein in Madrid, um über den Körper und unsere Beziehung zu unserer Umgebung nachzudenken.

Die Tänzerin und Choreografin Meg Stuart (New Orleans, 1955).
ALBERTO DI LOLLI

Der Körper, seine Grenzen und die Art und Weise, wie wir mit ihm umgehen, hat sich von einem rein künstlerischen Spiel zu einer zentralen Position in unserem Leben entwickelt. Deshalb betrachten wir die Arbeit von Tänzern und Choreografen jetzt mit anderen Augen, weil In einer Zeit der Entmenschlichung und Entfremdung ist das Physische, die Bewegung wichtiger denn je.

In dieser Wiederentdeckung unseres Körpers, der Arbeit von Meg Stuart (New Orleans, 1965) hat sich als grundlegend erwiesen. Von seiner Firma Beschädigte Ware Er hat eine Arbeit nicht nur künstlerisch, sondern auch didaktisch begonnen. Tatsächlich bestand sein erster Besuch in Madrid nicht darin, zu handeln, sondern Workshops zu veranstalten, in denen er seine Erfahrungen austauscht und einen zunehmend angespannten Körper wieder "persönlich" zusammenbringt.

Letzten November kehrte Stuart zurück, diesmal auf die Bühne mehrere Solostücke im Auditorium des Reina Sofa Museums: "Atari" (2018), "Ich nehme es zurück" (2007), "XXX für Arlene und Kollegen" (1995) und "Alle Songs sind erschöpft" (2013) enthüllten eine Sprache, über die der Autor spricht Kleine, aber nachdenkliche Stimme.

In den Stücken, die ich in Madrid präsentierte, gab es biografische Notizen und auch andere Elemente, die zum Beispiel zur Ausbreitung von HIV inspiriert waren. Warum in diesen Dingen tanzen?
Ich denke, wir haben alle die Fähigkeit, sensibel zu sein. Die Krawatte ist nicht etwas, das wir mit Nachdruck herausziehen müssen, aber sie ist uns eigen. Es fließt durch jede Erfahrung, die wir leben.
Wie arbeiten Sie mit diesen Materialien?
Im Laufe meiner Karriere habe ich mich intensiv mit Themen wie Empfindung, Bewusstsein und Wahrnehmung befasst. Und was ich daraus extrahiert habe, ist eine Idee: alles auszuziehen, bis es so direkt und rein wie möglich ist. Deshalb ist das, was ich der Öffentlichkeit zeige, nicht das, wozu ich fähig bin, worauf ich mich vorbereitet habe. Es ist ein bisschen umgekehrt: Ich mag es, als verletzlich und offen angesehen zu werden.
Wie gehen Sie mit dem Körper um?
Ich betrachte den Körper als eine Art Raum, in dem verschiedene Energien, Flüsse oder Emotionen zusammenlaufen. Einige sind im kollektiven Unterbewusstsein, deshalb mache ich mir Sorgen, dass die Öffentlichkeit sich wieder mit ihrer eigenen Sensibilität verbinden kann.
In seinen Shows arbeitet er immer mit einer großen Anzahl von Künstlern aus anderen Disziplinen zusammen, wie Filmemachern, Musikern, Designern. Wie sehen Sie die Zusammenarbeit?
Bei den meisten meiner Arbeiten arbeite ich mit zeitgenössischen Komponisten zusammen, was es mir ermöglicht, mich in den 90er Jahren wieder mit dieser Strömung der musikalischen Improvisation zu beschäftigen wenn ich verschwand, als wäre ich etwas Ätherisches, obwohl ich dort weitermache, Fleisch und Knochen auf der Bühne.
Was ist für dich der grundlegende Kern des Tanzes?
Für mich ist der Rhythmus bei uns entscheidender. Ich habe viele Arten von Sprache ausprobiert, von theatralischeren bis zu abstrakteren. Aber um emotionale Zustände auszudrücken, die an der Grenze unserer Kontrolle liegen, um mein Inneres zu zeigen, ist für mich die thermische Grammatik das Wichtigste. Die Zeit, ihre Manipulation, ihre Intensität, ihre dramatische Fähigkeit, ohne die Erzählung zu benutzen. Es ist etwas, das alle Tänzer können und das ich in den Kreisen der Judson Church (eines der wichtigsten Tanzzentren von New York in den 60er Jahren) gelernt habe, vor allem dank meiner Arbeit mit Trisha Brown. Daraus habe ich gelernt, mich flüssig zu bewegen und diesen kontinuierlichen Dialog aufrechtzuerhalten. Von dort aus können wir meiner Meinung nach Aspekte der Spannung einbeziehen, um nicht in das Offensichtliche zu geraten.
Wie ist es, nacheinander mit dem Körper zu arbeiten, wenn Beziehungen durch die Bildschirme so bedingt sind?
Ich mag es, den positiven Aspekt beizubehalten: Es ist unglaublich, dass wir in der Lage sind, in so vielen Realitäten zu sein und so viele Dimensionen gleichzeitig zu leben. Und wie wir durch diese Bildschirme aus diesen verschiedenen Zeitlinien, die nebeneinander existieren, unsere Sinne über ihre Grenzen hinaus erweitern können. Gleichzeitig glaube ich aber auch, dass diese überwältigende Sättigung zu einer erheblichen Fragmentierung führt. Ich lebe es in meinem Fleisch: Ich habe in New York angefangen, ich lebe in Berlin und meine Firma ist in Brüssel. Das lässt mich auch an die Hyperkonzentration von Präsenz und Aufmerksamkeit denken. In unserer Fähigkeit, nicht so viel zu sagen wie s.
Was ist Ihre Vorstellung von dem fertigen Kunstwerk?
Es ist ein Thema, das mich dazu bringt, ständig zu verhandeln. Es ist ein Dialog, in dem das Objekt manchmal eine Landkarte oder vielleicht ein Umriss ist, um vom Körper als Technologie zu sprechen. In diesem Sinne interessiert mich sehr, wie das Gedächtnis in unserem Körper gespeichert ist. Oder wie wir, selbst wenn wir die Maschinen für Aspekte wie die Orientierung verantwortlich machen, weiterhin etwas tun müssen, um unsere Mission zu erfüllen: den Raum, in dem wir uns befinden, neu zu überdenken.
Wie sehen Sie die Beziehung des Künstlers zur umgebenden Realität? Zum Beispiel in Angelegenheiten wie der politischen Situation Ihres Landes, den Vereinigten Staaten.
Es ist immer eine schwer fassbare Angelegenheit. Anstatt Tanz als Reflexion dessen zu verstehen, was passiert, verwende ich lieber andere Metaphern. Zum Beispiel das eines kollektiven Verdauungssystems. Oder eine Fläche, auf die projiziert werden kann, was jeder will. Ich bin auch daran interessiert, wie jeder Reiz Ihre Wahrnehmung der Realität verändern kann. Menschen sind kulturelle Wesen und wir lernen durch Dialog. Interaktionen mit anderen sind also so wichtig.
Wie sieht die Welt mit den Augen eines Tänzers / Choreografen aus? Oder vielleicht ist es nicht das richtige Verb, vielleicht müssen wir sagen "wie es sich anfühlt".
Schau, die Welt durchläuft einen dramatischen Wandel und zumindest für mich erinnert das Tanzen mich daran, dass du langsamer werden musst. Wir müssen unseren Weg gehen, wir müssen uns weigern, mit dem Fluss zu gehen, wenn wir uns nicht wohl fühlen. Ich wiederhole, wir müssen unsere eigenen Räume schaffen. Entdecken Sie, worauf es ankommt und worauf es ankommt. Es ist das Schönste.
Hat die Tänzerin / Choreografin irgendeine Verantwortung gegenüber ihrer Umgebung?
Wir sind an einem Punkt angelangt, an dem es nicht ausreicht, zu lehren, was nicht funktioniert. Wir müssen verantwortlich sein, aber auf konstruktive Weise. Es reicht nicht aus, uns von dem distanzieren zu wollen, was uns nicht gefällt. Sie müssen Vorschläge machen, Sie müssen didaktisch sein, Sie müssen eine Adresse angeben. Indem wir uns von etwas abwenden und sagen, dass es nicht existiert, werden wir nicht aufhören zu existieren. Die Realität ist komplex und wir müssen damit umgehen. Dafür müssen wir ein Gleichgewicht halten, das mich gerade sehr interessiert.
In letzter Zeit werden jene künstlerischen Manifestationen in Frage gestellt, die nur einen kleinen Prozentsatz der Öffentlichkeit erreichen. Wie siehst du das
Sie geben den Menschen nicht unbedingt das, was sie wollen, sondern das, was Sie für nötig halten. Deshalb kehre ich immer wieder zum Gleichstand zurück, zu dem Takt, der bereits in uns allen existiert, aber wir müssen uns daran erinnern, dass er da ist.

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