Es ist ein Irrtum zu glauben, dass Bohemianismus, d. h. die Tendenz, das Leben ungestüm zu genießen und seine Schönheiten kreativ zu entdecken, etwas mit Tschechentum zu tun hat. Erst die Franzosen kamen vor 150 Jahren zu dem Schluss, dass die nomadischen Roma aus Mitteleuropa stammten, aus dem lateinisch Böhmen. Nach ihnen benannten sie Pariser Künstler, die alles Konventionelle ablehnten, tagsüber Armut ertrugen und sich abends in Cafés betranken.
Die Bohème als Weg der Kunst und ihrer Formen in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wird nun durch eine große Ausstellung in der Kunsthalle Prag mit dem Titel Bohemia kartiert. Sie dauert bis zum 16. Oktober. Auf zwei Stockwerken der Galerie hat der amerikanische Kurator Russell Ferguson eine Art Erlebnisfahrt durch Kulturzentren zusammengestellt. Er springt von Paris nach New York, London, San Francisco und sogar Peking, je nachdem, wo die Künstler am lautesten und die Partys am wildesten waren.
Ferguson umfasst viele alternative Strömungen in Böhmen: Beatniks, Hippies, Punk, Pop-Art und die Kunst von Dissidenten, die totalitären Regimen gegenüberstehen. Es präsentiert die Arbeit von 39 Schöpfern mit besonderem Schwerpunkt auf Fotografie. Die Schnittpunkte bildender Kunst und Musik sind die intensivsten in der Ausstellung. Es klingt nicht nur wie eine Kulisse. Die Klanginstallationen beweisen, dass sich die Bohème des 20. Jahrhunderts mit der Welt der Musik fast so eng vermischte wie mit Alkohol und Drogen.
Ausstellungskurator Russell Ferguson. | Foto: Vojtěch Veškrna
Gleichzeitig findet der Betrachter in der Kunsthalle nur wenige Werke, die auch Musik beinhalten. Aber das reicht ihnen, um weiterhin eine aufmunternde Stimmung zu vermitteln, vor allem Jazz. Der fast halbstündige Schwarz-Weiß-Film von 1959, Pull My Daisy, wurde von dem Fotografen Robert Frank und dem Maler Alfred Leslie geschaffen, und die Schauspieler waren die zukünftige Crème de la Crème der New Yorker Bohème: der Schriftsteller Jack Kerouac und der Dichter Allen Ginsberg oder Maler Alice Nel.
Die auf Kerouacs Stück basierende Handlung basiert auf einem skurrilen Besuch des Bischofs und seiner Mutter in der Wohnung des Eisenbahnbremsers, der durch die Ankunft mehrerer aufgeregter Freunde unterbrochen wird. Nach einer Weile sieht sich der respektvoll empfangene Bischof mit einer Flut von Fragen konfrontiert, die sich auf Ginsbergs berühmtes Buch Lament beziehen. “Ist die Welt heilig? Ist Baseball heilig? Ist der Orgasmus heilig?” Der erschrockene Geistliche steht schließlich abrupt auf, um zu gehen. Energiegeladene historische Musik wird durchsetzt mit einem skurrilen Kommentar von Kerouac, der zwischen der Rolle eines fröhlichen Kommentators und des Synchronsprechers aller Charaktere wechselt.
„Heute wirkt der Film wie ein offenes Protokoll einer herumalbernden Gruppe von Freunden. Zu seiner Zeit wirkte er jedoch äußerst radikal“, schreibt die Kuratorin im Ausstellungskatalog. So bewunderte der Experimentalregisseur Jonas Mekas den Film für seinen Realitätssinn und seine Unmittelbarkeit.
Das Bild aus der Ausstellung zeigt eine Installation von Stan Douglas namens Hors–champs aus dem Jahr 1992. | Foto: Jan Malý
Emotional, aber nicht mehr komisch, ist Stan Douglas’ Installation namens Hors-champs von 1992. Sie ist ein Remake einer Performance aus den 1960er Jahren: Vier in Frankreich lebende amerikanische Jazzmusiker spielen in einem französischen Fernsehstudio. Ein doppelseitiger Bildschirm, der in der Mitte eines dunklen Raums aufgehängt ist, überträgt die Ansichten zweier Kameras. Das eine fängt die Musiker bei einem Konzert ein, das andere dieselben Männer, die nur darauf warten, dass die Aufführung beginnt.
Die Musik schlägt, Musiker afroamerikanischer Abstammung legen ihre Kunst, ihr Herz und ihren Körper hinein. Und auch die Traurigkeit der Enterbung. Um frei spielen zu können, mussten sie das stark segregierte Amerika verlassen.
Trompeter Miles Davis spürte den Rassenhass auf seinem Kopf, als er von einem Polizisten vor einem Jazzclub in New York mit zwölf Schlägen erschossen wurde, weil Davis eine weiße Frau zu einem Taxi eskortierte. Er wurde jedoch wegen Körperverletzung angezeigt. Aus diesem Grund ist Europa, insbesondere Paris, zu einem begehrten Ziel für viele afroamerikanische Künstler geworden.
„Der Legende nach ist Paris eine Stadt, in der jeder seinen Kopf und seine Moral verliert, in der man mindestens eine ‚histoire d’amour‘ erlebt, man nirgendwo pünktlich auftaucht und den Puritanern die Nase rümpft – kurz gesagt, es ist eine Stadt, in der sich alle vom guten alten Atem der Freiheit berauschen”, sagte der amerikanische Schriftsteller James Baldwin, der fast die gesamten 1950er Jahre in der französischen Hauptstadt verbrachte. Wie er später in seiner Biografie hinzufügt, wurde ihm und den anderen Verbannten die Freiheit von Paris durch „unermessliche Entfremdung von sich und seinem Volk“ erkauft.
Der Kurator der Prager Ausstellung präsentiert seine Auswahl hemmungsloser Persönlichkeiten als eine Kette von Geschichten, die sich ineinander verflechten und miteinander verbinden. Der australische Tänzer Vali Myers wurde in den 1950er Jahren zu einem Wahrzeichen von Paris. Die bescheidenen Besitztümer dieser Rothaarigen passten in ihre Handtasche und sie hatte nur wenige andere Dinge in den Ateliers der Maler verstreut, für die sie Model wurde.
Berühmt wurde Vali Myers durch den Fotografen Ed van der Elsken, mit dem sie zwischen 1950 und 1954 an dem Bildband A Love Story in Saint-Germain-des-Prés zusammenarbeitete. Jahrzehnte später wurde sie zum Vorbild für die jugendliche Singer-Songwriterin Patti Smith. „Ich ließ ihre Fotos überall an die Wände kleben“, erinnert sich die Musikerin und Dichterin, die Vali Myers später in New York kennenlernte. Dort tätowierte die Tänzerin ein Bild in Form eines kleinen Blitzes auf ihr Knie.
Patti Smith hatte in ihrer Jugend eine andere Liebe, die sie mit den allerersten Pariser Bohemiens verband. „Als Mädchen habe ich Rimbaud viel von meinen Träumen gewidmet. Rimbaud war wie mein Freund. Wenn du fünfzehn oder sechzehn bist und nicht den Freund haben kannst, den du haben willst, und alles, was du tun kannst, ist, die ganze Zeit von ihm zu phantasieren und zu träumen Mal ist es egal, ob er ein Dichter oder ein Junge aus dem Abiturjahrgang ist?” Sie schrieb.
Arthur Rimbaud, der verfluchte Dichter der Mitte des 19. Jahrhunderts, wurde auch von anderen Amerikanern bewundert. Die Prager Ausstellung erinnert uns daran, dass David Wojnarowicz in den 1970er Jahren seine Freunde in den vernachlässigten Ecken von New York mit einer Maske von Rimbauds Gesicht auf dem Gesicht fotografierte.
In der Kunsthalle gibt es viele Verbindungen und Bezüge. Und auch Gemeinsamkeiten, die man erst nach langer Zeit sieht. Etwa jene zwischen dem Zyklus intimer Bilder von ihr und ihren Freundinnen Ballade über die sexuelle Sucht der amerikanischen Fotografin Nan Goldin und dem namenlosen Zyklus von Schwarz-Weiß-Fotografien von Libuša Jarcovjáková, der seit Jahrzehnten unveröffentlicht ist. In den 1980er Jahren fing sie die Atmosphäre des Prager T-Clubs ein, einem Lokal mit schwul-lesbischem Publikum. Erst im letzten Jahrzehnt hat Jarcovjáková internationale Akzeptanz erfahren.
Foto von Libuša Jarcovjáková vom Prager T-Club, 1980er Jahre. | Foto: Archiv von Libuša Jarcovjáková
Als exotischer Abstecher, der sich letztlich gut ins Ganze einfügt, wirkt die Ausstellung abseits der traditionellen Kunstmetropolen unkonventionell. Die Kuratorin stellt den iranischen Architekten Bijan Saffari vor, dessen einfache Zeichnungen Personen aus einem Kreis homosexueller Freunde kurz vor der islamischen Revolution 1979 darstellen. Oder die Pekinger Boheme, mit der der weltweit bekannte Künstler und Dissident Ai Weiwei zusammenarbeitete. Eine weitere Fotoserie dokumentiert die Aktion des inzwischen verstorbenen Zagreber Aktionskünstlers Tomislav Gotovac.
Die Bohème als Lebensstil hat 150 Jahre überlebt, aber möglicherweise nicht mehr lange. Der Kurator und UCLA-Professor Russell Ferguson glaubt, dass seine Dämmerung kommt. Er führt dies auf die Verbreitung von Social Media und die Kommerzialisierung von allem zurück, was sich als ein bisschen trendy herausstellt.
Das Bild aus der Ausstellung zeigt die Arbeit Zorah des Zagreber Aktionskünstlers Tomislav Gotovac aus dem Jahr 1977. | Foto: Vojtěch Veškrna
„Die Zugehörigkeit zur Bohème-Welt bedeutete einen gewissen Charme und Exklusivität, obwohl es häufiger Armut und Not bedeutete. Der internationale Kapitalismus kann in einer Kultur, die vollständig von der Kommodifizierung getrieben wird, solche Alternativen immer überzeugender zu einer bloßen Marktlücke machen“, sagt er Ferguson. Er stellt fest, dass beispielsweise das Wort Bohème schon lange im Wortschatz von Reisebüros, die „böhmische Strandparadiese“ anbieten, oder von Verkäufern von Wohnaccessoires gehört.
Die Prager Ausstellung ist eigentlich recht kurz. Dem Besucher fällt bestimmt noch etwas ein, was er dort sehen möchte: Fotos von Patti Smith von Robert Mapplethorpe, Aufnahmen aus Andy Warhols Factory, Bilder vom Woodstock-Festival. Und wo ist der Velvet Underground und warum ähnelt nur ein Foto von David Bailey Mick Jagger, dem Leadsänger der Rolling Stones? Auch die tschechische Szene dürfte etwas zu bieten haben, nicht nur die Entdeckung von Libuša Jarcovjáková in den letzten Jahren. Apropos chinesische oder jugoslawische Aktionskünstler, warum nicht Milan Knížák und Fluxus oder die friedlichen Aktionen von Jiří Kovanda, Petr Štembera, Zorka Ságlova oder Jan Mlčoch?
Aber das wäre eine andere Ausstellung – und sie würde tatsächlich wiederholen, was wir bereits von tschechischen Galerien kennen. Russell Ferguson stellt seine Vision und die Künstler vor, die er versteht, von denen einige zuvor separate Retrospektiven veranstaltet haben. Dank einer gewissen Kürze ist Bohemia resorbierbar. Es gibt Raum, viel kennenzulernen und zu verstehen.
