„Eine der schönsten, verstörendsten und relevantesten Kunsterfahrungen, die ich seit langem gemacht habe.“

Die Geister von morgen findet im dunklen Untergeschoss des Museums statt und die Ausstellung besteht aus zwei Videoarbeiten und einer Gruppe von Bronzeobjekten. Sie betreten einen schwach beleuchteten Raum, in dessen Mitte sich ein Schwarm von Gegenständen befindet. Sie erinnern an kostbare Fabergé-Eier, in Glasvitrinen, auf rohen Betonsockeln. Mit ihren Stativen und pummeligen Formen erinnern die Objekte an kleine russische Atombomben, wie sie einige von uns aus Propaganda-Cartoons des Kalten Krieges kennen.

Sie gehören zur Serie Archäologie in Absentia (2016/17) und jedes Objekt zeigt einzigartige Koordinaten zum Standort einer Reihe handverzierter und folkloristischer Porzellanteller, die von den Künstlern in Israel und Palästina ausgegraben wurden. Daher bezieht sich der Titel auf die Archäologie „in Abwesenheit“, und durch diesen Verweis auf die nukleare Bedrohung der Vergangenheit werden die explosiven und zerstörerischen Kräfte des Krieges in die Gegenwart und direkt in den Boden gebracht, in dem die Platten auf beiden Seiten vergraben sind eine Grenze, die den scheinbar endlosen israelisch-palästinensischen Konflikt nur zwangsläufig in Schach hält. Ein Konflikt, den Sansour mit seinen palästinensischen Wurzeln nur zu gut kennt.

Die kleinen eiförmigen Bronzebomben mit ihrer hübschen Verzierung und Informationen darüber, wo das feine, traditionsreiche Porzellan vergraben wurde, erinnern uns daran, wie versucht wird, das, was uns am Herzen liegt, das Kostbare und Zerbrechliche, aus dem Weg zu räumen und verborgen zu halten in Situationen, die Menschen und ihre Kultur bedrohen. Und darüber, wie schwierig es ist, die Geschichte und nicht zuletzt die kollektive Erinnerung daran zusammenzuhalten, wenn sie bedroht und zerstört wird. Dies geschieht sowohl extern als auch intern. Es besteht eine dialektische Beziehung zwischen der physischen Außenwelt und dem inneren Geisteszustand des Menschen, und sie sind Darstellungen voneinander.

Das gibt es mittlerweile praktisch nicht mehr

Science-Fiction-Kurzfilm In vitro (2019) zeigt zwei Frauen, eine ältere und eine jüngere, die eine Art Umweltkatastrophe in einem unterirdischen brutalistischen Gebäudekomplex überlebt haben. Sie treffen sich in einer Krankenstation, wo der Älteste in einem Bett liegt, und diskutieren hier mit einer eigenartigen Mischung aus trauriger Frustration, physischer Distanz und kühler Erkenntnis, wie Erinnerung im Kollektiv entsteht, unter den verwirrenden und zeitlosen Voraussetzungen des Exils. und über die Wirkung von Nostalgie als Schutz vor Hoffnungslosigkeit.
Eine nostalgische Erinnerung, die über DNA und Mythen als eine Art falsches Bewusstsein zwanghaft und automatisch weitergetragen wird. Sie werden von einer Generation zur nächsten weitergegeben, während sie darauf warten, dass sich die Welt wieder öffnet und sie willkommen heißt.

Die junge Frau ist verbittert darüber, dass sie, ohne es verhindern zu können, in einer vom Leben selbst isolierten Zeitspanne lebt, dass sie ihres Lebensausdrucks beraubt und von einer Zukunft abgehalten wird, die in vielerlei Hinsicht in der Vergangenheit verwurzelt ist , da die ältere Frau Mitschöpferin war.

„Dieser Ort ist dein Exil, nicht meins. Ich hasse die Vorstellung, dass die Gegenwart eine Leere ist und nichts anderes. Ein Übergang zwischen dem, was war und dem, was kommen wird. Ein sentimentaler Auftakt ins Jenseits. Es lehnt jeden Sinn für die Gegenwart ab … für die Tatsache, dass wir existieren.“

Worauf der ältere Mann lakonisch erwidert: „Das gibt es jetzt praktisch nicht mehr.“ Du wurdest im Fegefeuer geboren. Genau wie frühere Generationen an diesem Ort. Sie alle versuchten, ihre Gegenwart zu erlösen, sie mit alten Geschichten zu erhellen und die Leere mit Versprechungen für die Zukunft zu schmücken. Doch die Lücke wird immer größer. Bald ist es so kolossal und mächtig … dass es alles verschlingt, was ihm in den Weg kommt.“

Beide Frauen strahlen die Strenge, Disziplin und kühle Beobachtungsgabe aus, die meiner Meinung nach Menschen in höchst herausfordernden und eingesperrten Situationen aneignen müssen, um nicht unterzugehen. Ich selbst denke oft genau daran, wenn ich von akuter Klimaangst heimgesucht werde und über die geradezu unmenschliche Beherrschung – eine kolossale Fähigkeit zur Selbstregulierung – phantasiere, die eine drohende Klimakatastrophe von denen abverlangen wird, die nicht in ihrem ersten schockierenden Ausmaß umkommen destabilisierende Sequenzen.

„Ich bin im Geiste der Nostalgie aufgewachsen … … Ich wurde mit der Vergangenheit gefüttert … … meine eigenen Erinnerungen wurden durch die anderer ersetzt. Sie wirken persönlich und präsent. Sie sind nicht real, aber betörend … wie aufwendige Illustrationen in einem Kinderbuch. Ohne Verbindung zum Leben hier unten … wie ein Bakterium in mir“, sagt der junge Mann.

Darauf antwortet die bettlägerige Frau: „Wir sind alle mit der Nostalgie anderer Menschen aufgewachsen.“ Unsere eigenen Erfahrungen, die sich mit den Geschichten vermischen, die uns erzählt werden. Deine Erinnerungen sind genauso real wie meine.“

Und die junge Frau fährt fort: „Ich bin anderer Meinung.“ Der Schmerz, den diese Geschichten hervorrufen, ist zweifach … denn der Verlust, den ich empfinde, war nie mein eigener.“

Ihr Gespräch ist geprägt von unterschiedlichen Erfahrungen und Perspektiven. Als Zuschauer sitzt man mit einem großen Kloß im Hals da und folgt der Kamera, die ruhig die zurückhaltenden Bewegungen der jungen Frau in der kreisförmigen Organisation des hohen Nacktraums verfolgt. Intuitiv und allmählich begreift man, welch großen Schmerz sie wirklich meinen: einen kolossalen Verlust – an Realität und Sinn – verursacht durch eine apokalyptische Katastrophe und ein jahrzehntelanges Exil. Ein Nichtleben, in dem ihre Körper und ihr Geist auf Behälter für „das Menschliche“ reduziert werden, während eine Generation nach der anderen darauf wartet, dass die Welt wieder bewohnbar wird:

„Seit wir untergetaucht sind, haben wir nichts mehr gehört. Andere hatten begonnen, das zu erleben, was wir seit Jahren gesehen hatten. Aber es war klar, dass kein Ort entkommen würde. Katastrophen entwickeln sich hier schneller. Hier herrschte immer reges Treiben. Ähnliches passierte anderswo. Andere Orte holten uns ein und erlebten ihren eigenen Weltuntergang.“

Die futuristische und brutalistische Architektur, der Ton und das Licht im bescheiden dekorierten und sauber geschrubbten Krankenhaus und die zugleich traurigen und unsentimentalen Gespräche der Frauen üben auf diesen Betrachter eine sehr starke Wirkung aus. In Virtus ist angesichts der zunehmend drängenden und mancherorts bereits lebensbedrohlichen Klimakrise hochaktuell.

Klage

Am gegenüberliegenden Ende des großen Saals im Untergeschoss können Sie Sansours und Linds neuesten Film erleben Als ob in der Nacht kein Unglück geschehen wäre (2022). Hier vermischt sich die europäische Musiktradition der Kindertotenlieder von Gustav Mahler mit einem traditionellen palästinensischen Klagelied.

Die Klage im Film wird von der göttlichen palästinensischen Sopranistin Nour Darwish großartig als Arie vorgetragen. Die Frau trauert um das Ende ihrer kleinen Tochter, und in einer Reihe scharf inszenierter und wunderschön gefilmter Sequenzen wird diese volkstümliche Klagetradition durch die perfektionierte Tonalität und Posen der Operntradition erlöst und transformiert. Die Arie wird hier zu einem hochstilisierten Klagelied, das durch die malerische Ästhetik einer heruntergekommenen Kapelle verstärkt und sanft applaudiert wird.

„Ich trauere nicht nur um die Verluste, die ich zählen kann, sondern auch um die, die warten und noch nicht gezählt sind.“ Jede Tragödie wird mit den Ungeborenen geteilt. Mein Blut überliefert die Worte, deren Aussprechen ich mir selbst verbiete. Oh Tochter, oh meine Tochter. Ich habe die Dämonen nicht eingeladen. Dennoch toben sie in meinen Adern.“

Die Szenen in der Kapelle sind mit Dokumentarfilmausschnitten aus den Schützengräben des Ersten Weltkriegs unterbrochen, und obwohl das Lied vom Verlust eines Mädchens handelt, verstehen wir, dass es genauso gut vom Tod eines jungen Mannes im Krieg hätte handeln können Service.

Die Mutter singt: „Bei diesem Wetter, bei diesem Sturm hätte ich die Kinder nie rausgeschickt.“ Sie wurden nach draußen getragen, dazu konnte ich nichts sagen.“

Es deutet darauf hin, dass eine äußere Macht ihr gewaltsam die Möglichkeit genommen hat, ihre Kinder zu schützen: Sie wurden nach draußen getragen, und plötzlich kommt es zum Verlust mehrerer Kinder und nicht nur der geliebten Tochter, deren Tod den Ausgangspunkt des Liedes bildet , und der es immer wieder erwähnte. Es geht um den ewigen und unumkehrbaren Wiederholungszwang, der tief in unserer menschengemachten Kultur verankert ist und Frauen dazu zwingt, zunächst Kinder zu gebären und bedingungslos zu lieben, um sie dann plötzlich wieder zu verlieren.

„Meine Zellen werden von den Schüssen einer Waffe heimgesucht, jeder gewalttätige Moment ist in meinen Codes verankert, vergangene Kindheiten lassen dich bereits kalt erschauern, ein einziger Moment der Zeitlosigkeit.“

Der Ton, die Beleuchtung und die Stimme erzeugen eine Gänsehaut, die ästhetischen Qualitäten des Films sind hervorragend ausbalanciert und es ist unmöglich, mich von der Leinwand loszureißen, bis ich den gesamten Film gesehen habe. Ich weine, weil die Worte ein Wissen freisetzen, das ich auch in mir trage, darüber, wie das Trauma von Kriegen und Naturkatastrophen, ihr Verlust, ihr Schmerz und ihre Trauer wie Geister von einer Generation zur nächsten wandern.

„Die Katastrophe von vor hundert Jahren, die in ewigen Fortsetzungen noch einmal durchlebt wird und deren Verluste jahrzehntelang in der Zukunft ausgezahlt werden.“ Jede mögliche Zukunft ist an eine Vergangenheit gekettet, die tief in dir verwurzelt ist und weit außerhalb meiner Reichweite liegt.“

Wir brauchen Kunst, um die Dunkelheit zu durchdringen

Die Geister von morgen ist einfach eines der schönsten, verstörendsten und relevantesten Kunsterlebnisse, die ich seit langem gemacht habe. Es ist eine starke Bewegung, den Frauen das Wort zu erteilen und so den extremen Willensakt sichtbar zu machen, der es seit Jahrhunderten für Frauen ist und war, die Schwämme zu sein, die allen Schmerz, alle Sorgen usw. aufsaugen, trösten, sich daran erinnern und sie beklagen Unheil in Gesellschaften weltweit.

Schade, dass es zu den beiden Filmen keine dänischen Untertitel gibt, denn während ich vor den Bildschirmen klebte, beobachtete ich viele Besucher, die ihnen nicht viele Sekunden Aufmerksamkeit schenkten. In meinen Augen ist das katastrophal, weil diese Filme nicht nur Fiktion oder Geschichten anderer Leute sind. In der Ausstellung geht es um uns alle!

Es ist äußerst relevant, wenn Künstler über die Geschichte und die Zukunft der Menschheit nachdenken. Wenn sie sich die Mühe machen, in die nicht allzu ferne Zukunft zu denken. In Zeiten, in denen Kriege und Klimakatastrophen uns aus allen Teilen der Welt bedrohen, brauchen wir diesen Mut in außerordentlichem Maße.
Wir brauchen Kunst, um in die Dunkelheit einzudringen und uns bewusst zu machen, was dort verborgen ist.

Vor allem, wenn das Ergebnis eine so große künstlerische Qualität, so viel Pathos und psychologische Tiefe aufweist.